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martes, 4 de abril de 2017

El retrato

A la hora de realizar un retrato debemos de tener en cuenta: El rostro humano es un indicador cambiante y expresivo de sentimientos y estados de ánimo. Por ello, debemos tener en cuenta la expresión del retratado/a como uno de los elementos con mayor peso visual de la fotografía, si no el mayor.

No existe un modo concreto para realizar un retrato. Debemos tener en cuenta:
- Las características del sujeto.
- Las decisiones artísticas del fotógrafo/a.
- Saber el qué se quiere mostrar.

Las diferencias entre realizar el retrato en estudio o en exterior:
- Estudio: mayor control de las luces. Sujeto más tenso. Las poses determinan mucho.
- Exterior: sujeto más relajado pero menor control sobre la iluminación. 

La relación existente entre el objeto principal y el entorno.
- Entorno sencillo: La búsqueda de la simplicidad ayudará en todo momento a que el peso visual o importancia caiga sobre el retratado/a.
- Entorno dominante: debe ayudar a transmitir la personalidad del retratado/a.

Buscar la separación entre los diferentes elementos que salgan en la fotografía. 

Algunas características del retrato en exterior:
- Más complejo, por el mayor número de elementos. Y el mayor peso visual del entorno.
- Menor control de la luz, puesto que existe luz natural y/o artificial.
- Modelo más relajado, puesto que se supone que está en su ambiente.
- Se debe buscar el tema elegido (es decir, ese ambiente donde el modelo se encuentre más relajado). 

Otros elementos a tener en cuenta:
- No existe un modo concreto.
- Muchas veces es bueno pedir permiso a la gente.
- Se debe diferenciar entre un retrato en exterior (personaje con peso visual) y una fotografía en exterior con gente.
- Encuadres abiertos y cerrados (dependiendo del peso visual que queramos dar al escenario).

Existe la posibilidad de usar Escenarios dominantes (bien elegidos):
- Ayudan a transmitir la personalidad del retratado.
- Dan énfasis al sujeto.
- Pueden introducir tensión (selección de elementos a incluir y punto de vista).

jueves, 30 de marzo de 2017

5 reglas básicas

- Sólo debe haber un grupo de sombras y todas han de tener la misma dirección.

- Siempre que sea posible, alejamos el fondo del sujeto lo más posible dejándolo oscuro y pudiendo iluminarlo de forma independiente.

- Si una sombra no se puede evitar, debe considerarse parte de la composición.

- Las luces y los reflectores deben estar lo más cerca posible del sujeto, pero siempre fuera del encuadre.

- Siempre debe aparecer el reflejo especular en los ojos. 

miércoles, 29 de marzo de 2017

Intensidad de la luz - Ley inversa del cuadrado

La luz presenta 3 propiedades físicas importantes para el fotógrafo: intensidad, longitud de onda o color, y ángulo de vibración o polarización.

La intensidad de la luz se refiere a la potencia de esta. Según la Ley inversa del cuadrado, la luz decrece el cuadrado de la distancia a la fuente de iluminación, es decir, un objeto recibe 4 veces menos luz al colocarlo al doble de la distancia de la fuente de iluminación. Esta ley funciona con toda fuente de iluminación que se disperse en todas direcciones, excepto el sol. Ahora podemos entender porque la luz desaparece tan rápido al alejarse de una hoguera, por ejemplo.

Al trabajar cerca de una fuente de luz, tendremos mucha potencia pero cualquier desplazamiento del objeto fotografiado o de la fuente de luz, hará variar mucho la exposición necesaria. Sin embargo, si nos alejamos del objeto, tendremos menos potencia pero conseguiremos una mayor región iluminada de una forma uniforme y al mismo tiempo, no se notará tanto cualquier movimiento que se produzca en la toma (a movimiento nos referimos con desplazamiento del objeto o de la fuente de luz después de haber tomado una medición).

En términos de exposición, esto significa que, al variar la distancia entre objeto y luz al doble, necesitariamos 4 veces más luz, por lo que, usando el diafragma o la ISO, y sabiendo que cada paso permite entrar el doble de luz, necesitaremos 2 pasos.  Por ejemplo, si la medición inicial nos daba f11, al poner la luz al doble de la distancia original, necesitaremos un f5.6 (2 pasos, doble de luz la diferencia entre cada uno, son 4 veces más luz). Lo mismo ocurriría acercando la luz.

martes, 28 de marzo de 2017

Modificadores de luz

- Luz de paraguas: Tenemos plateados, que reflejan la luz del flash y los blancos, que además la refractan. Ambos dan una luz suave, sobre todo el blanco, pero si se colocan cerca del flash generan una luz más dura que si se alejan el máximo. La luz del paraguas plateado genera sombras más interesantes. El problema que tienen es que pierden mucha luz porque la emiten en otras direcciones.

- Luz de ventana: Son más controlables que los paraguas. No pierden nada de luz. Dan una luz suave, aunque más plana que los paraguas.

- Grid o nido de abeja: Solo iluminan los haces de luz que van en línea recta. Es una luz puntual que sirve para crear manchas de color en los fondos con bordes difusos. 

- Snoot o cono: Concentra la luz en una zona puntual y panal de abeja, el cuál desecha los rayos de luz que no sean rectos y también es una luz muy puntual. 

- Reflector: Es la pantalla que se usa para rebotar o absorber luz. Una cartulina blanca, al igual que una tela blanca,… puede hacer las veces de receptor.

Existen otros muchos modificadores: la caja de luz, el beauty-dish...

martes, 21 de marzo de 2017

Tipos de iluminación

- Iluminación frontal: es aquella fuente de iluminación que se sitúa tras la cámara. Resalta los colores y el detalle pero tiende a aplanar las formas. Proyecta las sombras atrás del sujeto de modo que no aparecen en la foto.

- Iluminación lateral: es aquella que proviene de los laterales del sujeto. Da forma y textura al sujeto, iluminando solo un costado. Es la más apropiada para sujetos con texturas interesantes o cuando interesa definir con precisión, rocas, manos, rostros arrugados,…

- Contraluz: sucede cuando la luz está situada tras el sujeto. Tiende a confundir las sombras, dibujando solo la silueta del sujeto. También proyecta sombras hacia la cámara, lo que da profundidad a la escena.

- Iluminación cenital: es la iluminación procedente de arriba. 

- Iluminación negativa: es la iluminación procedente de abajo. 

La luz

Una de las propiedades de la luz más evidentes a simple vista es que se propaga en línea recta. Por este mismo hecho, existen las sombras, y debido a esto, en toda escena se distinguen 4 zonas: luces, sombras, zona de transferencia y reflejo especular (reflejo de la fuente de luz).

Podemos definir la zona de transferencia como la zona entre luces y sombras, entendiendo sombras como la zona más oscura de estas. El resto, ese gris que se va degradando hasta desaparecer, es la zona de transferencia. Dependiendo del tamaño de esta zona de transferencia podemos dividir la luz en luz dura y luz suave.

Cuando la luz encuentra un obstáculo en su camino choca contra la superficie de este y una parte es reflejada. En una superficie pulida, la luz se refleja con un ángulo inverso al de incidencia.

Cuando hablamos de luz en fotografía debemos distinguir 3 tipos de luz diferentes:

-Luz natural: la que viene del sol, cuya calidad depende de la hora, la época y el lugar. Por lo tanto, es una luz que cambia continuamente. Los momentos más interesantes son el amanecer (luz muy difusa, con nieblina, que da unos colores rosas, violetas,...) y el atardecer (luz sin nieblina con largas sombras con colores más saturados que el amanecer), siendo el menos interesante, el mediodía (aunque da colores muy saturados).

-Luz artificial o disponible: Cualquier tipo de luz artificial como velas, fluorescentes, farolas, bombillas, escaparates y hoy en día incluso la luz de los teléfonos móviles. Puede tanto iluminar como hacer juegos de luz. En muchos casos se consiguen imágenes evocadoras.

-Luz fotográfica: Puede ser continua (foco) o discontinua (flash).

jueves, 16 de marzo de 2017

Planos fotográficos

General: Social. Entorno ocupa mucho espacio.  Atención a los desenfoques.

Tres cuartos: Por encima de las rodillas. Incluir manos.

Plano medio: A la altura de la cintura o el ombligo. Atención a las manos. Horizontal o vertical?

Medio corto: A la altura del pecho. Recordar adelantar un hombro.

Primer plano: Vertical puede ser más interesante. Atención a donde se le da el espacio negativo o aire.

Primerísimo primer plano: Más intenso. Psicológico. Recordad cortar por arriba y por abajo, no por un solo lado.

Plano detalle: Pequeña parte del cuerpo. Gran capacidad expresiva.

Medición e histograma

El histograma es el gráfico estadístico que representa la cantidad de pixeles para cada valor de luminancia de una imagen. Estos valores varían entre el 0 que corresponde al negro y el 255 correspondiente al blanco. La importancia del histograma en fotografía digital radica en que a partir de este gráfico, podemos hacer una rápida interpretación de la exposición que tiene la imagen.

Cabe aclarar que no siempre desearemos una imagen “equilibrada” en cuanto a la gama tonal, pues podríamos buscar deliberadamente conseguir imágenes en clave alta o baja, según nuestra intención.

Gracias al histograma podemos exponer con más facilidad incluso que con el fotómetro aunque la desventaja es que normalmente las cámaras no te permiten ver el histograma antes de realizar la fotografía.

Podemos usarlo para exponer de diferentes maneras:

- Exposición correcta al gris medio: es aquella exposición donde el histograma está centrado y llega lo más posible a derecha intentando mostrar lo más fielmente posible la realidad fotografiada.

- Exposición a la derecha: es la que no busca tanto el resultado estético correcto de la foto en un principio, si no, la mayor cantidad de información posible y evitar el mayor ruido en la imagen posible. Ya en la posterior edición se buscará el resultado correcto. 

El color negro en fotografía digital significa falta de información. Por lo tanto, si al fotografiar lo llevamos hacia un gris, este sí tendrá información. En el posterior procesado subexponiendo llevaremos ese gris de nuevo a negro, pero en este caso con información. Esto significara menos ruido en nuestra imagen.

Hay que recordar no tener en cuenta las luces directas y los reflejos, especulares o no, que entren en nuestro encuadre a la hora de exponer. Si intentáramos recuperar esas luces, el resto de la fotografía quedaría subexpuesto. A veces puede ser una fotografía estéticamente interesante.

Por último, un apunte sobre lo que ocurre cuando disparamos en RAW con respecto a las luces altas. Podremos recuperar ciertas luces quemadas. Una fotografía en color, recordemos tiene 3 canales (Red, Green, Blue) así que cuando vemos un histograma en gris estamos viendo el histograma promedio de los histogramas de cada canal. Si las luces quemadas de las que hablamos están en solo uno de esos canales, podremos recuperar la información.

Tipos de luz y medición

Cuando hablamos de luz en fotografía podemos estar hablando de incidente y/o reflejada. La luz incidente es la que llega desde la fuente de luz a la superficie de un sujeto.  La luz que el objeto no absorbe, es la luz reflejada. Con este segundo tipo de luz es con el que trabaja una cámara fotográfica, por lo que la medición no siempre resultará exacta, en base a la cantidad de luz que hayan absorbido o reflejado los diferentes objetos de nuestro encuadre. 

Una cámara está preparada para entender que lo que tiene delante es un gris medio, es decir, objetos que reflejan un 18% de luz. Por lo tanto, siempre tenderá a subexponer el color blanco (debido a que lo considera un gris medio muy iluminado) y a sobreexponer el color negro (debido a que lo considera un gris medio poco iluminado).

El exposímetro de nuestra cámara es la representación gráfica de la medición. Utiliza diferentes patrones de lectura: 

Ponderada promediada: da más importancia a la luz de la zona central de la escena aunque mide en toda ella. En Canon, también existe la Parcial, que solo mide la luz en una amplia zona central. 

Puntual: mide la luz en una porción muy pequeña de la imagen y suele coincidir con el punto de enfoque

Evaluativa matricial: mide la luz en toda la escena. 

Debemos recordar siempre que, puesto que estamos utilizando luz reflejada, debemos interpretar la lectura realizada, y cambiar los valores dados en el caso que no la consideremos correcta. Cuanta mayor diferencia haya entre las zonas de luces y de sombras de una imagen, más complicado será para nuestra cámara decidir la correcta exposición de ésta. 

Para determinar la exposición en casos con mucho contraste es necesario decidir la parte de la escena que consideramos importante, es decir, nuestro centro de interés. Por ejemplo, si un sujeto tiene un fondo muy luminosos se debe medir la exposición para el sujeto que es el que nos interesa, el fondo saldrá sobreexpuesto, pero el sujeto estará bien expuesto.

NOTA: Para corregir los fallos en la medición siempre podremos usar la compensación de la exposición: (+/-) o EV. Nos servirá para aclarar u obscurecer un poco la toma si no nos gusta resolvió la cámara la fotografía. En caso que tengamos mucho contraste en la toma posiblemente no lo resuelva bien y será conveniente usar este mando.

martes, 14 de marzo de 2017

Elementos a tener en cuenta

El primer elemento a controlar es el ENCUADRE.

¿Qué elementos queremos introducir en nuestro encuadre? ¿Qué elementos queremos destacar? Encuadre Horizontal o Vertical, tenemos que valorar cuál será mejor en cada momento.

Regla de Tercios: divide nuestra imagen en 9 partes iguales gracias a dos líneas equidistantes verticales y otras dos horizontales. Los puntos de intersección de las líneas son los lugares de mayor interés de nuestro encuadre, destacando siempre la derecha sobre la izquierda. Con respecto a la línea de horizonte o cualquier otra línea horizontal de importancia debemos hacerla coincidir con una de las dos líneas horizontales. Ej: Si queremos un paisaje en el cuál tenemos cielo hay que decidir si queremos destacar éste o no, colocándolo en el tercio inferior o superior.

Regla de 5/8: Se usa cuando deseamos realizar una fotografía a algo en primer plano. Debemos situarlo algo a la derecha del centro de nuestro encuadre.

Regla de la mirada: Dejar más espacio hacia donde mira la persona o el objeto principal, en general.


A la hora de COMPONER una imagen podemos tener en cuenta diferentes opciones:

Simetría: Es interesante pero suele resultar monótona si no se introduce un elemento diferenciador que la rompa y de dinamismo.

Textura: Da realismo, carácter y fuerza. Necesitaremos una luz homogénea y difusa que permita ver los detalles.

Líneas: El uso de las líneas (reales o imaginarias) es muy importante. Unifica las imágenes llevando de unas partes a otras. Centran la atención donde queremos. Una línea vertical da sensación de dinamismo al contrario que una horizontal, estática. La línea diagonal estaría entre una y otra.

Ritmo: Se crea por la repetición de líneas, formas, elementos,...
Como la simetría se debe introducir un elemento diferenciador.

Ángulo o altura de la toma. Buscar nuevos ángulos de toma (desde abajo o arriba) puede ser muy interesante permitiéndonos descubrir cosas nuevas que no habíamos visto. Si exageramos la toma disparando desde muy abajo o muy arriba conseguiremos deformar lo que estemos fotografiando. En el caso de una fotografía de paisaje también podemos cambiar la altura de la toma. Si bajamos la cámara a la altura del suelo conseguiremos dar a nuestra fotografía sensación de “lugar”, de estar “allí”.

Tono: Representa y da sensación de volumen. Clave alta o baja: podemos disparar subexponiendo o sobreexponiendo para conseguir aclarar u oscurecer mucho la toma y que solamente destaquen los elementos esenciales del personaje.



LUZ Y SOMBRA:
Luz directa con sombras marcadas que eliminan el detalle de las sombras.
Luz difusa que permite ver los detalles de las sombras.
Luz lateral refuerza el contraste y alarga las sombras.
La diferencia entre una luz dura y una luz suave está en las sombras que forman. La luz dura, como la de un día soleado, nos dará unas sombras muy fuertes y con poco detalle. Por el contrario, la luz de un día nublado, luz difusa, nos permitirá ver el detalle de estas sombras. Por lo tanto, aunque estamos acostumbrados a que un buen día es también bueno para la fotografía, en realidad no suele ser así.

RETRATO, diferentes puntos a tener en cuenta:

Distancia de la toma, lo que cambiará la relación personaje entorno.

Ángulo o altura de la toma. En el caso del retrato, la altura correcta es la de los ojos de la persona fotografiada (sobre todo si son niños). También podemos disparar un poco más alto o más bajo para conseguir efectos interesantes. Si exageramos la toma disparando desde muy abajo o muy arriba deformaremos a la persona.

Desde abajo haremos a la persona más grande y en el fondo veremos cielo, techos,… mientras que desde arriba haremos a la persona más pequeña y destacaremos los suelos.

COLORES: Podemos dividir los colores en cálidos (rojo, naranja, amarillo,…) y fríos (verde, azul,…). En un principio los colores fríos, como el azul y el verde, relajan, mientras que los cálidos destacan y llaman la atención, como es el caso del rojo. Mientras los colores semejantes (sean fríos o cálidos) dan sensación de calma y serenidad, los colores opuestos destacan entre si y dan carácter a una imagen.

PAISAJE: Ya hemos comentado alguna cosa y queda añadir una más. Es interesante introducir un elemento en el primer plano que nos permita crear profundidad en la imagen. Nos obligará a movernos por la fotografía. Nos obligará a ver la imagen desde el primer plano hasta el fondo. Si no existiera ese primer plano, la mirada se nos iría al fondo.




Algunos artículos sobre composición.

En este caso no os pongo una entrada propia porque considero que estos artículos cubren perfectamente todo el contenido que considero importante. Todos los términos en mayúsculas os llevarán a un enlace sobre dicho tema. 

Hemos hablado de la PROPORCIÓN AUREA.

Posteriormente hemos hablado del PUNTO, las LÍNEAS, los TRIÁNGULOS y el ESPACIO.

Sin olvidarnos de la importancia del PESO VISUAL o del CENTRO DE ATENCIÓN.

Por último, hagamos un resumen de cosas a tener en cuenta a la hora de COMPONER.

jueves, 9 de marzo de 2017

Profundidad de campo

Entendemos por profundidad de campo todo el espacio por delante y por detrás del plano de foco que se ve aparentemente enfocado en una fotografía. Con esto queremos decir que es todo aquel espacio que el ojo ve enfocado. Y depende de 3 factores:

- Nºf: Dependiendo de la apertura, tendremos mayor o menor profundidad de campo. A mayor apertura (números pequeños: f2.8, f4...), menor profundidad. Y a menor apertura (números mayores: f16, f22...) mayor profundidad. 

- Distancia al plano de enfoque: cuanto más lejos estemos del plano de foco(donde estamos enfocando), mayor profundidad de campo. Y como no siempre tenemos que querer mucha profundidad de campo, podemos decir que si nos acercamos al plano de foco, conseguiremos desenfocar más el fondo. 

- Distancia focal:en este caso hablamos de angulares (sin zoom) y teleobjetivos (con zoom). Es más fácil conseguir profundidad de campo al usar objetivos angulares. Por el mismo motivo, cuando usamos teleobjetivos, es más sencillo desenfocar los fondos. 


RESUMEN: 

- Si queremos mucha profundidad de campo, debemos tender a usar nºf más cerrados, angulares y alejar lo que podamos el plano de foco. 

- Por el contrario, si queremos poca profundidad de campo, podemos usar nºf más abiertos, teles y acercar al plano de foco. 


NOTAS:

- Recordad que es relativamente sencillo conseguir mucha profundidad de campo en distancias largas, es decir, cuando enfocamos relativamente lejos (varios metros).

- Lo realmente difícil es conseguir mucha profundidad de campo en distancias cortas, es decir, cuando enfocamos cerca (un metro o menos). Por ello, en este caso, tenemos que tener muy claro el plano en el que estamos enfocando. Recordad que es más fácil equivocarse en estos casos. 

- Uso del trípode I: desactivar el estabilizador, poner el temporizador, y si estamos fotografiando cosas muy cercanas o incluso macro, repetir la fotografía modificando un poco el plano de foco (podemos acercarlo o alejarlo manualmente muy poco a poco). El uso del trípode es necesario en estos casos para no modificar la distancia entre la cámara y el objeto a fotografiar, cosa que sería imposible con la cámara en la mano. 

- Uso del trípode II: es lo último que se coloca para hacer la fotografía. Primero debemos decidir el encuadre de la misma (moviéndonos y/o dando vueltas alrededor de lo que queramos fotografiar). Luego adaptamos el trípode a la posición que deba tener nuestra cámara para realizar la fotografía elegida. 

martes, 7 de marzo de 2017

Formatos digitales

JPG: Es un formato con una muy buena compresión que permite un tamaño de almacenamiento relativamente pequeño. La cantidad de espacio ocupado en el disco duro es directamente proporcional a la calidad de la imagen. Es muy bueno para internet. En relación a los programas de retoque, decir que el jpg no admite capas ni información de transparencia. Es perfecto para internet.

TIFF: Es un formato muy extendido en el mundo de la fotografía porque ofrece muchas prestaciones como capas o información de transparencia. Tiene diferentes tipos de compresión y gracias a estos su tamaño es relativamente menor, aunque siempre entre 2 y 20 veces mayor que un jpg, por lo que es demasiado pesado para internet. La compresión más común y que no pierde calidad es la LZW, aunque no funciona bien con imágenes a 16 bits/canal. Por lo tanto, entre las distintas compresiones del tiff, como son LZW, ZIP o JPG, elegiremos la LZW cuando estemos trabajando a 8 bits/canal, y ninguna si trabajamos a 16. Es perfecto para imprimir con la máxima calidad. 

NOTA: Aunque no hemos hablado de los bits por canal, se refieren a la cantidad de bits de información necesarios para representar el color de un píxel en una imagen digital. Solamente debemos saber que podemos encontrarlo en el menú imagen – modo.

RAW: La traducción literal es “crudo”. Al contrario que el jpg o el tiff, no es un formato único, si no diferentes. Cada marca tiene el suyo propio. Básicamente, contiene la información que capta el sensor con una manipulación mínima, un conjunto de metadatos de la toma, y una pequeña copia en jpg (por esto algunos programas nos abren la imagen en pequeño, porque no están abriendo el raw, si no este pequeño jpg). Es como un negativo digital, del cual se pueden obtener diferentes copias. A este proceso se le llama revelado y consiste en dar una apariencia que nos guste a la copia y guardarla en un formato comprensible por cualquier tipo de programa (jpg o tiff). El archivo original RAW no se debe tirar nunca puesto que es como un negativo, por lo que tiene mucha más información que cualquier copia y podremos seguir haciendo copias diferentes.

NOTA: Los metadatos son los datos que contienen la información de la toma, como fecha, hora, cámara, velocidad, abertura e ISO.

domingo, 5 de marzo de 2017

Mecanismos de control

Antes de disparar se deben tener en cuenta 3 cosas de forma independiente. El enfoque (presionar el botón de disparo hasta la mitad y comprobar que el foco esté en el punto elegido), el encuadre (elegir los elementos que se desea entren en la toma) y comprobar la exposición que selecciona la cámara a través del exposímetro.
Exposímetro (1880): Indica la exposición al medir la intensidad de la luz. Puede controlarse la cantidad de luz que llega al sensor de dos formas: abriendo o cerrando (aclara u obscurece) la imagen mediante una abertura variable situada tras el objetivo, o variando el tiempo durante el que la luz llega al sensor mediante un obturador regulable. Es decir, usando una velocidad y un diafragma.
Diafragma: La abertura variable está formada por un conjunto de laminillas que se solapan, determinando en su centro un orificio de diámetro variable que controla la cantidad de luz que pasa a su través. El anillo de control de la abertura puede tener pasos fijados en números f marcados o intermedios. El diafragma se puede ajustar de manera regular en diferentes puntos entre la abertura mínima y la máxima
Obturador: El más común el de cortinillas o plano focal: Se ubica en el cuerpo de la cámara. Se desarrollo en los años 80 para conseguir velocidades más rápidas.
Velocidad de Obturación: Regula la exposición de la película a la luz abriendo y cerrando un mecanismo a distintas velocidades. Determina el tiempo durante el cual la luz entra en la cámara y afecta al sensor, y con ello la influencia del movimiento de la cámara en la imagen final.
30”-15”-8”–4”-2”-1”-½-¼-1/8-1/15-1/30-1/60-1/125-1/250-1/500- hasta 1/8000.
Bulb: Mientras se mantenga presionado el obturador estará abierto.
T: Cuando se pulsa se abre el obturador y al volver a pulsar se cierra.

domingo, 5 de febrero de 2017

Modos y zonas de enfoque

Antes de disparar se deben tener en cuenta 3 cosas de forma independiente. El enfoque (presionar el botón de disparo hasta la mitad y comprobar que el foco esté en el punto elegido), el encuadre (elegir los elementos que se desea entren en la toma) y comprobar la exposición que selecciona la cámara a través del exposímetro.

Antes de hablar de los diferentes modos de enfoque, debemos definir cómo enfoca una cámara: Enfoca "por contraste" a un plano paralelo a la cámara a una distancia x. 

01.- Enfoque manual: girando la rosca del enfoque situada en el objetivo variaremos la distancia de foco o enfoque manualmente.
02 .- Enfoque automático o autofoco: la cámara enfoca automáticamente. Distinguimos tres tipos de autofoco:
a) Enfoque Automático: One Shot / AF-S: Apretando ligeramente el botón del disparador y sin llegar a disparar la fotografía, activamos el enfoque.
b) Enfoque continuo: AI Servo / AF-C: Apretando ligeramente el botón del disparador y sin llegar a disparar la fotografía, la cámara seguirá el movimiento del motivo manteniendolo siempre enfocado. Es ideal para objetos en movimiento.
c) Enfoque inteligenteAI Focus / AF-A: Es una combinación de los dos modos de enfoque anteriores. La cámara trata de determinar si el objeto enfocado es estático o está en movimiento, aplicando el enfoque que cree apto para ello. De todos modos, no es un modo muy fiable.
Con respecto a las diferentes zonas de enfoque que nos dará la cámara, optaremos siempre por la misma:
01.- AF de punto único: Este modo permite que se seleccione cualquiera de los puntos de enfoque disponibles. Al ser uno mismo quien decide el punto de enfoque, se sabe exáctamente donde se está enfocando. El riesgo es que si no somos precisos ese punto único puede enfocar en otro sitio cercano a nuestro objeto principal.
NOTAS: El resto de zonas de enfoque se podrán consultar en el manual de la cámara.